Wer sind Ihre Lieblingskünstler aus dem westlichen Kanon? Gibt es weniger bekannte Künstler, die Ihrer Meinung nach aufgrund ihres technischen Könnens oder ihres symbolischen Inhalts Anerkennung verdienen?
Ich habe die größte Affinität zu den Malern und Kupferstechern der frühen Renaissance, die
erlebte seine Blütezeit in Mittel- und Nordeuropa, vor allem im 15. Jahrhundert.
An erster Stelle stehen unter ihnen Dürer, Holbein, Van der Weyden, Van Eyck,
Raphael, Memling und Matsys sowie die Kupferstecher Behem, Altdorfer, Pencz
und ihre Kollegen. Ich habe auch eine große Affinität zur romantischen Malerei in
im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert Caspar David Friedrich, Heinrich Füssli und
Besonders William Blake und die symbolistischen Maler, die ihm ein Jahrhundert später folgten,
insbesondere Arnold Böcklin, Karl Deifenbach, Franz von Stuck, Jean Deleville, Gustave Moreau, Odilon Redon und so weiter. Innerhalb dieses ungefähren Rahmens finden sich unzählige Werke unzähliger Künstler, die alle gleichermaßen Studium und Aufmerksamkeit verdienen, ganz zu schweigen von den vielen, die außerhalb dieses Rahmens liegen. Ich bewundere ein sehr breites Spektrum an Material: von der Prähistorie bis zur Klassik, dem Mittelalter, der Jugendstilbewegung, dem sogenannten Goldenen Zeitalter der Buchillustration, den Expressionisten, der Postmoderne und sogar der zeitgenössischen Gegenkultur des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts.
Es ist schwierig, sich auf eine bestimmte Epoche zu beziehen, aber um eine
ästhetisch gesehen war es immer die frühe Renaissance, die mich am meisten fasziniert hat
Interesse und inspirierte meine Bemühungen. Dies liegt zum Teil daran, dass es so ein kritischer
Brückenzeit, eine Zeit, in der alte Formen wiederbelebt und neu interpretiert wurden mit einem
Begeisterung und eine klare Vision, die auch heute noch an Dynamik gewinnt. Wir könnten
diese Periode als den endgültigen Übergang von der Antike zur Gegenwart, zumindest ästhetisch gesehen. In den Werken dieser Zeit wurde ein tiefgreifender Versuch unternommen,
Epoche, um ein Gleichgewicht zwischen dualistischen Tendenzen in der menschlichen Erfahrung zu finden; Eine
Synthese zwischen dem Vergänglichen und dem Ewigen, dem Körperlichen und dem Himmlischen,
das Groteske und das Schöne.
Es gibt unzählige Maler und Illustratoren aus all diesen Epochen, die
erhalten außerhalb ihres unmittelbaren Einflussbereichs nur begrenzte Anerkennung. Die meisten
mittlerweile ist alles online verfügbar, aber das allein bedeutet nicht unbedingt ausreichende Anerkennung, insbesondere wenn es um statische Bilder geht, die derzeit auf der kulturellen Bedeutungsliste einen niedrigen Rang einnehmen. Dennoch gibt es neue Wege der Wertschätzung, die diese Ästhetik am Leben erhalten, sei es durch Veröffentlichungen, Ausstellungen, die Musiksubkultur, zeitgenössische Illustration, Kino, Videospiele, soziale Medien oder sogar die Tattoo-Kultur. Es gibt heute viele Methoden, sich mit einem unbekannten Künstler oder einer unbekannten Ästhetik auseinanderzusetzen, ohne in ein Museum oder eine akademische Einrichtung einzutauchen. Man könnte argumentieren, dass in unserer Kultur aufgrund eines Übermaßes an Medien tatsächlich eine massive Übersättigung und Reizüberflutung herrscht, aber die großen Werke, wie esoterisch sie auch sein mögen, sind alle da, um gewürdigt zu werden, wenn man geneigt ist, sie anzusehen, anzuhören oder zu lesen.
Wer sind Ihrer Meinung nach die interessantesten lebenden Künstler?
Am meisten interessieren mich die Bemühungen meiner geschätzten Kollegen, derjenigen, die
widmeten ihr Leben der Muse, verfeinerten ihr Handwerk, widmeten ihre
Bemühungen in den Prozess und die Zusammenarbeit mit anderen. Dies gilt unabhängig davon, ob wir
Diskussion über Illustratoren, Maler, Autoren und Musiker sowie andere Kreative
und Künstler, darunter Drucker und Verleger. Ich bin fasziniert von der Hingabe an Handwerk und Prozess, die sich den Launen des Tages nicht beugt. Umso bewundernswerter ist es, wenn kulturelle Umstände es schwierig machen, einen solchen Weg nachhaltig zu verfolgen. Was speziell die bildende Kunst betrifft, kann ich stolz mehrere Freunde und Kollegen nennen, die diesen Weg eingeschlagen haben, wie etwa David D'Andrea, dessen detailreiche, handgezeichnete Bilder die altehrwürdige Tradition des Illustratorengesellen fortführen, der manuell druckt. Ich bin immer wieder fasziniert von den Werken von Denis Forkas, dem es gelingt, zutiefst komplexe mythische Konzepte und Stimmungen mit einer bemerkenswerten Ökonomie von Farbe und Form auszudrücken. Forkas' Kompositionen durchdringen den Schleier des Überirdischen mit einer beredten Kraft, die höchst einzigartig ist. Die oft expressionistischen visuellen Evokationen von Timo Ketola waren vor seinem frühen Tod vor einigen Jahren immer eindrucksvoll mitzuerleben. Erwähnenswert sind die Illustratoren Glyn Smyth und Yoann Lossel, ebenso wie die Aves-Gemälde von Vanessa Foley und die exquisiten Porträts von Miriam Escofet. Es gibt heute Dutzende außergewöhnlicher Maler und Illustratoren, die in den unterschiedlichsten Medien arbeiten. Dies sind nur einige, mit denen ich persönlich in Kontakt stehe und die mich weiterhin für meine eigenen Bemühungen motivieren.
Es gibt auch einige kulturelle Giganten unserer Zeit, wie den norwegischen Maler Odd
Nerdrum, der Anerkennung dafür verdient, dass er sich kompromisslos für Arkanes einsetzt
ästhetische Werte, verkörpert sie durch rigorose Technik und verfolgt sie
als lebenslange Berufung. Nerdrum entstand insbesondere zu einer Zeit im späten 20. Jahrhundert, als figurative, gegenständliche Malerei von den akademischen Kunstinstitutionen weitgehend als irrelevanter Kitsch (ein Titel, den Nerdrum begeistert annahm) verspottet wurde, und ihm gebührt daher Anerkennung dafür, das Konzept des „Malers“ als jemand neu zu kalibrieren, der eine einzigartige Rolle zu spielen hat und eine Vision hat, zur modernen Gesellschaft beizutragen. Seine meisterhaften Arbeiten sind phänomenal, wenn man sie persönlich betrachtet. Er hat seine kreativen Ideale untermauert, indem er eine Anhängerschaft der nächsten Generation von Kitschmalern gründete, die seine philosophische Position durch ihre eigenen Bemühungen und durch verschiedene Interviews und Essays weiter kodifiziert haben. Er ist wirklich das Epizentrum einer bestimmten Bewegung, aber was er im weiteren Sinne repräsentiert, ist eine Verherrlichung traditioneller Maltechniken und zeitloser Kompositionen.
Welchen Wert hat ein statisches Bild im Vergleich zu etwas wie einem Film?
Ein statisches Bild hat das Potenzial, ein langanhaltendes Erlebnis für den
Betrachter. Dies wird durch den Aufbau einer Beziehung im Laufe der Zeit erreicht, in der die
Ein Bild kann unter verschiedenen Umständen, in unterschiedlichen emotionalen und mentalen Zuständen und sogar in unterschiedlichen Kontexten betrachtet werden. In unserem Zeitalter der unzähligen Medienquellen kann man beispielsweise ein bestimmtes Gemälde zuerst in einem Buch, dann im Internet und schließlich persönlich in einem Museum kennenlernen. Bei jeder Betrachtung werden neue Erkenntnisse gewonnen und ans Licht gebracht. Auf diese Weise wird ein Bild zum Katalysator einer Reise, es wird zum Ausgangspunkt, zum Ziel und zu allem, was dazwischen liegt. Wie man das Bild wahrnimmt, ändert sich je nachdem, in welcher Phase der Reise man sich befindet. Ein statisches Bild kann auf dieser Reise auf ähnliche Weise Gesellschaft und reflektierende Erkenntnisse bieten, einen Ballast, der die eigene Erfahrung verankert. Das Potenzial ist wirklich unerschöpflich, was bemerkenswert ist, da das statische Bild selbst grundsätzlich unbeweglich ist.
Film ist ein einzigartiges Medium und unterliegt seinen eigenen Analysekriterien, die
über das hinaus, was ich glaubhaft beitragen könnte, also bin ich nicht sicher, ob ich Film wirklich vergleichen kann
mit der Malerei. Im weiteren Sinne, bewegte Bilder, oft in Verbindung mit
akustische Begleitung ist dennoch zum kulturellen Standard für Medien geworden
Konsum, insbesondere mit dem Aufkommen des Smartphones und dem Scrollen von Bildern, Tönen und Texten. Es ist daher verständlich, dass dies der Fall ist
die meisten Menschen beschäftigen sich mit visuellen Kreationen, darunter auch statische Bilder wie
Gemälde und Fotografien. Diese Schnittstelle bietet Vorteile, nämlich dass
Immer mehr Menschen sind einer breiten Palette von Bildern ausgesetzt.
Im besten Fall können sich Menschen mit einem bisher unbekannten Bild auseinandersetzen und motiviert werden, es eingehender zu erforschen. Das bewegte digitale Format weist jedoch auch einige bemerkenswerte Einschränkungen auf, vor allem, dass die anhaltende Vertiefung in ein einzelnes Bild durch die Technologie verhindert oder sogar komplett unterbunden wird. Es erfordert oft große Disziplin oder externe Eingriffe, um dieses Muster mangelnder Aufmerksamkeit zu durchbrechen. Es gibt wenig Anreiz, längere Zeit auf ein bestimmtes Bild fixiert zu bleiben; man muss sich wirklich entscheiden, sich zu konzentrieren, und diese Entscheidung wird ständig auf die Probe gestellt.
Als Kontrapunkt könnte man letztlich mit einem Bild leben und zu ihm zurückkehren für
reflektierende Zusicherung, Motivation oder Trost. Dies ist die Grundidee hinter
religiöse Ikonographie; Andachtsbilder bieten einen Bezugspunkt für
Meditation, ein Tor zur Gemeinschaft. Diese Praxis muss nicht auf eine
Kirche, Tempel oder Museum, man kann sich überall mit dem ewigen Bild verbinden
Zugang zu Mediengenehmigungen, was in dieser Epoche im Wesentlichen überall der Fall ist. Natürlich
Es gibt hier unzählige Nuancen, ein Druck an der Wand kann
allzu vertraut im Laufe der Zeit bis zu dem Punkt, dass es nicht einmal mehr gesehen wird, aber auch das ist
Teil der andauernden Beziehung zum Bild. Vertrautheit kann Langeweile hervorrufen
so oft es Trost spendet. Ein großartiges Gemälde ist meiner Meinung nach eines, das
fesselnd und zeitlos, unabhängig davon, wie oft es angesehen wird.
Ich habe beispielsweise seit über einem Jahrzehnt dasselbe Hintergrundbild auf meinem Computer. Es ist ein Gemälde aus dem 19. Jahrhundert, das eine Alpenlandschaft vom Eingang aus zeigt.
einer grauen Steinhöhle am späten Nachmittag, kurz vor der Dämmerung. Weiche Kumuluswolken scheinen vorübergehend vor der Sonne vorbeizuziehen, trüben das Umgebungslicht und erzeugen einen strahlenden Halbschatten, der die fernen Nadelbäume, Felsen und Berggipfel in einem zarten, rosigen Schimmer umrahmt. Ein gewundener Pfad ist zu erkennen, der einen fernen Gebirgspass hinaufführt. Die Silhouetten einer kleinen Gruppe von Reisenden nähern sich der Höhle. Ich habe dieses Gemälde jahrelang jeden Tag betrachtet, und doch wird es nie langweilig. Der Maler hat Farbe und Form so gekonnt wiedergegeben, dass man dieses Schauspiel nie satt hat. Das Schwächung des Lichts, die Vergänglichkeit der Wolken, der Aufstieg der Reisenden vermitteln eine flüchtige Bewegung, und so fühlt es sich an, als gäbe es eine fortwährende dynamische Handlung, obwohl sich das Bild selbst nicht verändert. Wenn ich in meinen täglichen Aktivitäten innehalte, um über die Komposition nachzudenken, kann es sein, dass ich mich gleichzeitig so fühle, als käme ich zu etwas Vertrautem nach Hause und begebe mich doch zum ersten Mal auf eine Reise. Die Erleichterung der Ankunft und die Vorfreude auf die Abreise sind zugleich da; eine doppelseitige Möbiusschleife, in der sich Vergangenheit und Zukunft gegenseitig widerspiegeln. Das bedeutet es, mit einem Bild zu leben.
Das Standbild kann dem Betrachter ein vielfältigeres Spektrum an mentalen und emotionalen Erfahrungen bieten, gerade weil es zu einem veränderlichen Spiegelbild dieses individuellen Prozesses wird. Das Bild beschäftigt letztlich den Geist, vielleicht sogar die Seele, und seine Präsenz entwickelt sich im Laufe des Lebens. Wie kein anderes Medium, vielleicht abgesehen von der Steinskulptur, kann das statische Bild die trügerische Erfahrung der Ewigkeit vermitteln.
Haben Sie eine Kunstschule besucht? Hatten Sie eine Ausbildung im Ausland?
Ich habe keine formale Schule besucht. Ich würde mich nicht als „Autodidakt“ bezeichnen.
Als ich jedoch die Grundlagen des Zeichnens und Malens mit zwei
unabhängige Künstler in meiner Jugend, die beide klassische Techniken betonten und
traditionelle Methoden als Mittel zum Aufbau einer kreativen Grundlage. Ich studierte auch die
Fuchs inspirierte Mischtechnik mit Philip Rubenov Jacobson in Österreich. Am meisten
Wichtig ist jedoch, dass ich versucht habe, aus dem Studium der Werke der
vielen großen Malern, die vor uns kamen, und aus der lebenslangen Tätigkeit von
Lernen von Gleichgesinnten, Kollegen und Freunden, die sich ähnlich engagiert haben
sich der Kunst zu widmen. Das Lernen sollte nie aufhören, der Prozess der Entdeckung
und die Verfeinerung nimmt kein Ende.
Wie würdest du deinen kreativen Prozess beschreiben? Shane und ich sind uns darin einig.
Buchumschläge und Buchideen kommen uns einfach in einem Moment der Offenbarung. Ich habe gelesen
dass Francis Bacon keine Ahnung hatte, was er malte, als er anfing, und
Die endgültige Form würde ich erst im Laufe des Malprozesses entdecken.
Der Prozess für jedes Werk ist einzigartig, nichts wird nach einem Schema hergestellt. Die
Methode beinhaltet zwangsläufig zu gleichen Teilen Inspiration, Wiederholung und Plackerei. Es ist
Es ist üblich, dass der Fortschritt ins Stocken gerät, auf Eis gelegt, verfeinert, neu konfiguriert und sogar
Manchmal wird es komplett verworfen. Es ist nie ein geradliniger Prozess von Anfang bis Ende. Manchmal lösen sich kompositorische Probleme mühelos, manchmal bricht die gesamte Struktur zusammen und muss mühsam neu aufgebaut werden. Die Integration unterschiedlicher Komponenten ist unerlässlich, um alles in einer strukturierten Harmonie zusammenzuführen. Ich passe die Methoden und Techniken an die Anforderungen des jeweiligen Projekts an. Es gibt immer wieder Überraschungen, was visuell überzeugend ist und was letztendlich relevant sein könnte, aber das Ziel der Synthese bleibt oberstes Ziel.
Unter Berücksichtigung aller dieser Variablen bleibt dennoch eine
Grundablauf zur Entstehung und Produktion eines Bildes. Normalerweise erstelle ich ein sehr
Detaillierte Kompositionsskizze vor Beginn eines Gemäldes oder einer endgültigen Darstellung. Dies ist bei Auftragsarbeiten immer notwendig, damit der Kunde die Bildgrundlage überprüfen kann, bevor die Arbeit ernsthaft beginnt. Für die Erstellung dieser konzeptionellen Darstellungen sind oft umfangreiche Recherchen erforderlich und es muss Quellenmaterial gesammelt werden. In manchen Fällen müssen Modelle positioniert, Requisiten inszeniert und Artefakte beschafft werden.
Auch ästhetische Einflüsse müssen berücksichtigt werden, insbesondere bei der Gestaltung eines
Illustration für einen bestimmten Kontext, etwa ein Poster oder ein Albumcover. Ich kann Tage damit verbringen, einfach nur verschiedene Arten von Ornamenten aus einer bestimmten Epoche zu studieren. Architektur hat mich schon immer fasziniert, und ich lasse mich stark von klassischer Skulptur visuell inspirieren. Ein visuelles Sprungbrett kann in unzähligen Formen gefunden werden: etwa in den Motiven und Farbpaletten antiker etruskischer Keramik oder den Linien in Stichen aus dem Barock. Manchmal ist es eine schwer fassbare Stimmung, die eingefangen werden muss, und es gibt vielleicht nicht einmal eine klare visuelle Referenz, die als Botschafter dienen könnte. In solchen Fällen denke ich vielleicht über geeignete Farben oder räumliche Beziehungen nach, die ich darstellen kann, und die eigentlichen Motive, wenn sie erscheinen, sind nur zweitrangig gegenüber dem Zusammenspiel von Licht und Schatten, Farbton und Ton.
Der Prozess erfordert oft intensive Forschung und Arbeit, aber auch passive
Reflexion erforderlich. Manchmal ist die produktivste Phase die Zeit, die man weg verbringt
vom Zeichenbrett. Legen Sie die Zeichenwerkzeuge weg, schließen Sie die Nachschlagewerke,
Ziehen Sie ein Tuch über die gruppierten Exemplare und gehen Sie nach draußen. Es ist oft hilfreich,
und beobachten, ohne sich auf etwas Bestimmtes zu konzentrieren. Manchmal gibt es Signale und
Botschaften aus zufälligen Umständen oder von der Natur selbst.
Im Allgemeinen sind die schwierigsten Phasen der Schöpfung die Entstehung und
die Vollendung. Vieles, was zwischen diesen beiden kritischen Errungenschaften liegt, ist
Arbeit, und man kann auf Technik zurückgreifen, um sie zu überstehen. Der Beginn ist oft
die aufregendste Phase, obwohl es enorme Energie und Konzentration erfordern kann, um
diesen Impuls auf die Erde zu bringen und ihm eine Form zu geben. Ein Werk als beendet zu bezeichnen ist oft
In der schwierigsten Phase gibt es immer einen Aspekt, der noch weiter verbessert werden könnte
verfeinert. Die gesamte Komposition muss eine ganzheitliche Harmonie bewahren und übermäßige
Die Wiedergabe in bestimmten Bereichen kann ein empfindliches Gleichgewicht zwischen Nuancen und
Detail, also muss man den zwanghaften Impuls unterdrücken, etwas zu überarbeiten, um
Übermaß. Ich finde, dass es notwendig ist, bestimmte Mängel und Defizite als Teil
des Ganzen. Manchmal wird erst ganz am Ende des Prozesses klar, dass eine Komposition einen strukturellen Fehler aufweist. In diesem Fall muss der Fehler einfach als Teil des Werks akzeptiert werden. Irgendwann muss das Bild akzeptiert und freigegeben werden.
Haben Sie das Gefühl, in einer bestimmten künstlerischen Tradition zu arbeiten?
Ich arbeite grundsätzlich im Kontext eines ästhetischen Erbes, das vom historischen Kontext, aber auch von der Zeit, in der ich lebe, geprägt ist. Wir neigen kulturell dazu, Kunstgeschichte in Epochen, Perioden und Bewegungen zu unterteilen. Das hilft zwar, die Abfolge von Ereignissen zu erkennen und die Entwicklung von Einflüssen zu verstehen, doch letztlich ist der Übergang ein organischer Prozess ohne feste Grenzen. Ich treffe diese Unterscheidung, weil ich kein akademischer Maler bin, der eine bestimmte Epoche nachahmt oder eine formelhafte Technik verwendet. Ich betrachte meine Arbeit als ein Kontinuum, das auf wiederkehrenden Formen und Themen aufbaut, die über viele Jahrtausende hinweg auftauchen. Man könnte sie archetypische Strukturen nennen.
Ich habe gelesen, dass Sie vom deutschen Nazarener des 19. Jahrhunderts beeinflusst wurden
Bewegung. Was können Sie uns darüber erzählen?
Die Nazarener waren eine wenig bekannte Gruppe deutschsprachiger Maler, die
war im frühen 19. Jahrhundert vor allem in Wien und Rom tätig.
Sie bewohnten eine Zeit lang gemeinsam ein altes Kloster und widmeten sich der Malerei und Bildhauerei. Sie nannten sich „Die Bruderschaft des Heiligen Lukas“, zu Ehren des Schutzpatrons der Malerei, und strebten nach einem kreativen Lebensstil. In akademischen Kreisen wurden sie von ihren Kritikern aufgrund ihrer Betonung spiritueller Themen und ihrer auffälligen Gewänder, langen Haaren usw. etwas spöttisch als „Nazarener“ bezeichnet. Sie lehnten den institutionellen Neoklassizismus ihrer Zeit ab und versuchten, ihr Wissen über Kunsttechniken durch direkte Beobachtung, das Studium der Andachtsmalerei und eine Bruderschaft gegenseitiger Unterstützung zu erweitern.
Das vielleicht Bedeutendste, was man über die Nazarener-Bewegung hervorheben sollte,
war ihre Ehrerbietung gegenüber der Vergangenheit, um die Gegenwart zu gestalten und die
Zukunft. Sie taten dies durch die Verehrung und Nachahmung der Kunst des Spätmittelalters und der Frührenaissance, die wiederum durch das Wiederaufleben älterer Formen beflügelt wurde. In diesem Sinne blieben sie wachsam gegenüber einer nie erloschenen Flamme. Sie orientierten sich an den Künstlergesellen des 15. Jahrhunderts, widmeten ihre Arbeit spirituellen Idealen und investierten in sorgfältige Wiedergaben, die die Nuancen von Farbe und Form einfingen. Sie nahmen Aufträge für öffentliche Arbeiten an und belebten die Freskenkunst neu. Gleichzeitig waren die von ihnen kultivierten Techniken und die Ästhetik ganz gewiss zeitgemäß, folgten sie doch der Aufklärung und gingen in die romantische Reaktion auf die Moderne über. In diesem Sinne lieferten sie eine tiefgreifende Inspiration für eine Reihe von Kunstbewegungen, die ihnen folgten, insbesondere für die Präraffaeliten in Großbritannien einige Jahrzehnte später.
Die etwas theatralische Darstellung ihrer gemeinsamen Jahre in Rom
war endlich, und später kehrten die meisten von ihnen nach Österreich und Deutschland zurück, wo sie
individuell ihre Maltechniken weiter verfeinert. Einige der mehr
So entstanden eindrucksvolle Gemälde, nachdem sie sich als Kollektiv aufgelöst hatten und arbeiteten
Solo in ihren eigenen Studios. Es gibt eine Liste namhafter Namen, die aus
dieser Bewegung, aber am liebsten sind mir die Porträts von Friedrich Wilhelm Schadow,
Johann Friedrich Overbeck und Franz Pforr. Die Inspiration von Memling,
Raphael, Holbein und Dürer ist in vielen dieser Gemälde klar, eine ästhetische
Kontinuum durch die Jahrhunderte.
Mir ist aufgefallen, dass viele Ihrer Stücke Elemente enthalten, deren korrekte Umsetzung wissenschaftliche oder anatomische Forschung erfordern würde. Welche Art von Forschung betreiben Sie?
Es hängt wirklich vom Projekt ab. Jedes Bild ist anders in Bezug auf die Quelle
Thema und was absichtlich vermittelt wird. Im Falle von etwas sehr Spezifischem,
wie eine monochrome botanische Darstellung, ist es notwendig, wirklich zu studieren die
Die natürlichen Formen der Pflanze zu verstehen und sich mit ihrer physischen Struktur vertraut zu machen, bevor man sie mit Linien interpretiert. Manche Projekte erfordern möglicherweise eine Vertrautheit nicht nur mit der physischen Erscheinungsform des Motivs, sondern auch mit anderen ästhetischen Darstellungen dieses Motivs in der Kunstgeschichte. Die Balance zwischen diesen beiden Paradigmen, der natürlichen Welt und der subjektiven Welt der Interpretation, beeinflusst einen Großteil meiner Arbeit und ist bei manchen Projekten besonders ausgeprägt.
Da viele meiner Projekte Auftragsarbeiten sind, gibt es oft ein Leitprinzip oder Thema, das den Schwerpunkt der Arbeit bestimmt. In diesen Fällen ist es oft notwendig, den historischen und strukturellen Hintergrund des Themas zu recherchieren. Der Umfang dieser Recherche variiert je nach Thema stark. Beim „Green Mysteries Herbal“ beispielsweise und den darin enthaltenen zahlreichen botanischen Darstellungen war es nicht nur notwendig, die spezifischen Strukturen und Formen der einzelnen Pflanzen zu untersuchen, sondern auch ihre medizinischen Eigenschaften, ihre Verwendung im Laufe der Geschichte, mythologische Erzählungen, in denen die Pflanzen vorkommen, sowie ihre mögliche symbolische und kulturelle Bedeutung. Nachdem die strukturellen Bezüge hergestellt waren, galt es, die zahlreichen künstlerischen Darstellungen und visuellen Darstellungen der Pflanze zu studieren, die im Laufe der Jahrhunderte in unzähligen botanischen und Kräuterbüchern erschienen sind. Ziel war nicht nur, eine neuartige Darstellung der Pflanze zu schaffen, sondern auch die früheren Versionen, die sich im Laufe der Jahrhunderte herausgebildet haben, weiter auszuarbeiten. Auf diese Weise ist die Arbeit nicht nur eine Auseinandersetzung mit einem umfangreichen und vielfältigen Thema, sondern baut auch auf einem bereits vorhandenen künstlerischen und wissenschaftlichen Erbe auf.
Integrieren Sie mathematische Berechnungen in Ihre Kompositionen? Der Begriff „heilige Geometrie“ ist heutzutage ein gängiges Klischee. Aber messen Sie bewusst den Goldenen Schnitt, anatomische Proportionen usw. oder geschieht das alles freihändig und intuitiv?
Die Geometrie ist sicherlich ein wichtiger Aspekt meiner Arbeit, und ich nutze häufig
deutliche Formen in meinen Kompositionen. Es ist nicht alles mit lockerer Freihand arrangiert, wie
jede Komposition wird methodisch geplant und arrangiert, oft unter Verwendung von Vorlagen,
Lineale und andere Zeichengeräte, aber der Prozess der Platzierung und Verfeinerung ist
fast ausschließlich intuitiv, insbesondere bei den organischen Themen. Ich arbeite eher mit
grundsätzlich rudimentäre Formen: Kreise, Dreiecke, Quadrate, Mandorlas und so
Ich studiere die Beziehungen zwischen Formen und Gestalten und passe sie an, wie es für eine bestimmte Komposition relevant ist. Das geschieht ganz instinktiv, ich halte mich nicht an irgendwelche dogmatischen Formeln. Ich kenne den Goldenen Schnitt und nehme an, er ergibt im Kontext Sinn, wenn man sich mit einer rationalen Interpretation der Form wohler fühlt, aber mit Mathematik bin ich nicht so anspruchsvoll. Ich lasse mich eher von meiner Vision leiten. Auch beim Anschein von Ausgewogenheit ist das Ziel Synthese, nicht exakte Symmetrie. Mir ist die Präsenz nuancierter Gefühle wichtiger als architektonische Perfektion, obwohl sich beides gegenseitig unterstützt.
Diese Konzepte werden bei der Vorbereitung einer Stillleben-Komposition deutlicher. Dabei sammle ich bestimmte Objekte und arrangiere sie auf einem Tisch, nehme räumliche Anpassungen vor, gestalte die Anordnung neu, entferne Gegenstände, die letztendlich nicht funktionieren, experimentiere mit der Beleuchtung, betrachte sie aus verschiedenen Blickwinkeln usw. Zeichnungen werden angefertigt und überarbeitet, bevor die endgültige Anordnung auf der Maltafel erfolgt. Dieser Teil des Prozesses kann manchmal Monate dauern.
Wie hat MONAD Sie als Künstler vorangebracht oder herausgefordert?
Das war ein fantastisches Projekt, das mich dazu zwang, die üblichen Reserven an
kompositorische Struktur und atmosphärische Nuancen, stellte aber auch die Herausforderung dar
Die Vermittlung einiger sehr komplexer philosophischer Ideen mithilfe relativ einfacher Formen. Ich versuchte, diese Konzepte zu vertiefen, indem ich die Beziehung zwischen dem Philosophen, der Welt und der himmlischen Quelle betonte. Das architektonische Gebäude, in dem das zentrale Motiv dargestellt ist, bildet die Struktur der Zivilisation, getragen von empfindungsfähigen Karyatiden, während die Fackel eine Art prometheische Flamme verkörpert, die direkt aus dem strahlenden Himmelszelt herabsteigt. Dies war eines jener Gemälde, die von unzähligen subtilen Lasuren profitierten, um die perfekte Balance der Beleuchtung, das Spiel von Licht und Schatten, zu erreichen.
Es war die strukturelle Geometrie der Komposition, die sich letztlich als die
kritisch, da dies eine visuelle Syntax liefert; die Errichtung eines geeigneten Gebäudes, das es erlaubt
die philosophischen Offenbarungen in einer greifbaren Tradition verankert werden, während
offen bleiben für göttliche Inspiration, Grenzen durchlässig halten, offen für
diejenigen, die suchen. Dafür habe ich mich der klassischen Struktur einer säulenflankierten
Plaza, ein kreisförmiger Hof, in dem ein imaginäres Epizentrum visualisiert werden kann. Von dieser Position aus sendet der Philosoph die Schwingungswellen der Gnosis aus, die sanft auf die Welt einwirken. Die gewölbte Struktur, die von den Karyatiden, Wächtern an der Schwelle zur Weisheit, getragen wird, unterstreicht den Rahmen der Initiation zusätzlich. Über allem schwebt der Blick des unsterblichen Hermes.
Das Ziel war letztlich, den Philosophen als Führer und Herold darzustellen, als Leuchtfeuer
den Weg von diesem Reich zu den vielen anderen zu erhellen. Anerkennung gebührt dem
Verlagsteam; Shane Logan, Tony Ferry und Lucas Heinrich, für die Bereitstellung der
Ich habe lediglich versucht, ihrer Vision eine Form zu geben, indem ich Impulse und Richtung für die Komposition gegeben habe.
Das MONAD-Gemälde ist in natura äußerst lebendig, was zweifellos auf die
Mischtechnik. Wie ist es, mit dieser Technik zu malen und warum denkst du, dass es
ist so gut wie verschwunden?
Die Mischtechnik der Einarbeitung von Eitempera und Ölpigmenten basiert auf der
Methoden, die der magisch-realistische Maler Ernst Fuchs Mitte des 20.
Jahrhundert und ist somit eher eine Ausarbeitung als eine konsequente Bewahrung der
verschiedene Renaissance-Techniken, die nicht unbedingt bekannt sind oder
exakt reproduziert. Ich habe die Fuchs-Technik weiter angepasst, um meinen eigenen
Prozess und experimentiere weiterhin mit den Medien. Viele meiner Farbillustrationen entstehen in Aquarell, Gouache und sogar mit Polymer-/Synthetikpigmenten, wenn Zeit- und Budgetbeschränkungen es erfordern. Die Mischtechnik ist in der Regel zeitaufwändig, da die physikalischen Eigenschaften der Schichtung von Tempera und Ölmedien ausreichende Trocknungszeit zwischen den Lasuren erfordern. Ich brauche wahrscheinlich mehr Zeit als die meisten Maler, die diese Technik anwenden, da ich Farbnuancen lieber durch Lasieren mit reinen Pigmenten erziele, als durch Mischen oder die Verwendung von vorgemischten Farben, die üblicherweise von Herstellern hergestellt werden. In der Praxis bedeutet dies: Je komplexer eine Farbe, je nuancierter das Zusammenspiel von Schatten und Licht, desto mehr Lasuren verwende ich. Außerdem verfeinere ich die Details im Laufe der Zeit. Wenn ich beispielsweise das Gefieder eines Vogels male, verfeinere ich die Glanzlichter auf den Federästen möglicherweise erst in den späteren Phasen der Darstellung, und auch diese werden weiter verfeinert, wenn Farblasuren darüber aufgetragen werden.
Unabhängig vom verwendeten Medium beginnen meine Bilder immer mit der Übertragung eines
einfache Strichzeichnung auf die Tafel, gefolgt von einer Imprimatura - normalerweise Ei
Tempera - Grundierung, typischerweise Englischrot oder Umbra, abhängig von der Gesamtfarbe
Farbpalette. Auf diesem einfarbigen Untergrund werde ich eine lockere monochrome
Untermalung in weißer Tempera. Nach dem Trocknen fahre ich mit einer vollständigen Lasur fort
das gesamte Panel, meist eine warme Farbe, wie Goldocker oder Siena. Die nächste
In dieser Phase erfolgt eine detailliertere Verfeinerung der Motive, wobei immer noch nur weißes Pigment verwendet wird.
entweder Eitempera, Polymer oder Gouache, je nach Medium. Nach der gesamten
Die Komposition wurde etabliert und verfeinert, die Untertitel von Licht und Schatten
Sobald die Grundstruktur festgelegt ist, beginne ich mit dem Lasurieren in Primärfarben. Die mittleren Schaffensphasen erzeugen einen Postereffekt, wobei feste Farbblöcke das Bild verankern. Von hier aus werden die feinen Strukturen weiter verfeinert und die Details ausgearbeitet. Ein grüner Vorhang in einem fertigen Gemälde kann bis zu fünf oder sechs Pigmentschichten über der monochromen Darstellung aufweisen, wenn das Werk fertig ist. Subtile Hauttöne können die doppelte Menge enthalten.
Die Konstruktion des Bildes ist fast skulptural, architektonisch und legt eine
Fundament, Errichtung der strukturellen Unterstützung, Anwendung der wesentlichen Formen,
Aufbau der Farben, Verfeinerung der Details. Der Hauptvorteil der Schichtung
Technik besteht darin, dass ein unvergleichlicher Effekt aus Licht- und Farbvariationen erzielt werden kann.
Dies lässt sich am besten persönlich beurteilen, wenn die Tiefe der Malschichten
deutlich erkennbar. Ein Teil davon ist auf die physikalischen Eigenschaften zurückzuführen, wie die
durchscheinende Ölglasuren interagieren mit der opaken Eitempera, mit Umgebungslicht
Durch das Ölmedium gefiltert und von der weißen Untermalung reflektiert.
Ich glaube nicht, dass die Mischtechnik verschwunden ist. Es gibt noch viele Künstler
und es mit großartiger Wirkung einsetzen, allen voran mein Freund und Kollege,
Madeline von Foerster, deren einfühlsame Beherrschung der technischen Nuancen dieser Methode unübertroffen ist. Ihre meisterhaft ausgeführten, international gesammelten Naturkabinett-Gemälde preisen die Schönheit der Artenvielfalt und enthüllen die Tragik ihrer durch den Menschen verursachten Verminderung. Jedes Werk ist ein heiliger Schrein, der zur Verehrung und Kontemplation einlädt. Die akribische Anwendung der Mischtechnik wurde noch nie so treffend umgesetzt. Ich halte von Foerster für eine wahre moderne Meisterin dieser Technik.
Rubinov-Jacobson lehrt weiterhin die Fuchs-Methode in seinem informativen
Seminare und Workshops, und es gibt eine Reihe von Malern in der sogenannten
Visionäre Kunstszene, die mit dieser Methode ebenfalls fantastische Dinge macht. Es ist
Zweifellos ein zeitaufwändiger und mühsamer Prozess, dessen Effekt sich nicht immer gut in gedruckter oder digitaler Form umsetzen lässt. In unserer digitalen Ära, in der ständig online und die Befriedigung sofortiger Bedürfnisse im Vordergrund stehen, besteht möglicherweise weniger Anreiz, diese Technik zu nutzen, als noch vor zehn Jahren. Wer jedoch Geduld und Handwerk schätzt, wird die Mischtechnik weiterhin als Mittel zur visuellen Erleuchtung nutzen und schätzen.
Wie sieht Ihre spirituelle oder magische Praxis aus?
Meine kreative Arbeit ist die Grundlage der Praxis. Darin findet sich das gesamte Spektrum der Hingabe; Empfänglichkeit für Inspiration, die Erschaffung von Visionen, disziplinierte
Anwendung der Technik, Ausdauer in schwierigen Zeiten, Loslösung von
Erwartung und schließlich Loslassen. Sobald man sich diesem Prozess völlig hingibt,
Schöpfung wird zu etwas Größerem als die Summe der eigenen Bemühungen. Dies ist
Dies gilt insbesondere dann, wenn man innerhalb einer ausgeprägten kreativen Tradition arbeitet, wie beim Zeichnen und
Malerei in meinem Fall. Ich sehe meine Arbeit als einen Beitrag zu einem viel größeren kulturellen
Kanon. Neben dem unschätzbaren Input von Kollegen, Kollegen und
Mitarbeiter, Es wird genährt und informiert von jenen Praktikern, deren Bemühungen
sind schon einmal gekommen und werden hoffentlich als Leitstern für diejenigen dienen, die kommen
nach.
Kreativität als Andachtspraxis ist ein nichtlinearer Prozess, der im Grunde ein
Reise, eine Art Pilgerfahrt. Unterwegs begegnet man anderen; durch
Zusammenarbeit, Schirmherrschaft, Service und sogar durch herausfordernde Dynamiken wie
Konkurrenz, Ablehnung und Verurteilung. Es können situative Hindernisse entstehen,
Unterstützung kann in gleichem Maße gewährt oder verweigert werden, und Hilfe kann
kommen ebenfalls von unerwarteten Abgesandten. Alle diese Facetten der Erfahrung sind
relevant und wertvoll für eine engagierte Praxis. Die Arbeit selbst kann
als Meditation betrachtet, eine konzentrierte Beobachtung mit angewandter Aktion und eine
Loslösung vom Ergebnis. Das Wichtigste ist, weiterzuarbeiten. Bleiben Sie
arbeiten, wenn die Inspiration reichlich vorhanden ist, und wenn sie fehlt. Arbeiten Sie weiter, wenn
Belohnung wird gewährt und wann sie ausbleibt. Arbeiten Sie weiter, egal ob in Zeiten persönlicher Konflikte oder in Zeiten des Luxus. Manchmal bedeutet Arbeit anstrengende Arbeit, manchmal Stille und Ruhe.
Dieser Ansatz ist meiner Meinung nach der effektivste für die Schaffung einer nachhaltigen
Praxis. Es ist auch hilfreich, einen Zufluchtsort für die Hingabe zu haben, was in meinem Fall der
Atelier, eine kleine Kammer in einem Kloster aus dem 19. Jahrhundert, dient mir seit Jahrzehnten als mein wichtigstes Arbeitsatelier. Der Raum ermöglicht es mir, Referenzen als heilige Schreine zu errichten und über ikonische Bilder nachzudenken, um Inspiration zu finden. Der physische Raum ermöglicht es mir, die Wachsamkeit ungehindert fortzusetzen.
Diese Einsichten in meine Andachtspraxis haben sich im Laufe der Zeit entwickelt und sind
also subjektiv für meine eigene kreative Reise. Dies sollte auf keinen Fall so ausgelegt werden
als dogmatische Vorlage für den individuellen Prozess eines jeden. Ich kenne zum Beispiel Bildschaffende ohne festes Atelier, die sich gerne dort niederlassen, wo sie sich gerade befinden, sei es auf einem Feld, in einer Lagerhalle oder einem Café. Auch ich bin in meiner Jugend jahrelang nur mit Skizzenbüchern im Rucksack gereist und habe überall, wo ich war, handschriftlich gezeichnet und Referenzen dokumentiert. Alle Phasen der Reise sind relevant. Ich glaube nicht an einen einzigen, richtigen Weg.
Wie kommen Ihrer Meinung nach diese großen Veränderungen in der Malerei zustande?
scheint bis zu einem gewissen Grad materiell akausal zu sein, ist es also eine Art Logos oder Geist? Von
Natürlich gibt es kontextuelle, kulturelle und situative Faktoren, aber das erklärt es nur bedingt.
Sicherlich ein faszinierendes Thema zum Nachdenken. Ich bin nicht sicher, ob ich die Daten habe, um
eine überzeugende Hypothese aufstellen. Es gibt eindeutig ästhetische Trends, die sich durchsetzen,
sind das Ergebnis von Umständen, aber gleichzeitig scheint es
Es gibt unsichtbare und irrationale Strömungen, die den Zeitgeist weiter prägen. In der Malerei und insbesondere in den bildenden Künsten gibt es eine offensichtliche Brücke zu den Werten einer Kultur zum Zeitpunkt ihrer Entstehung. Beispielsweise verloren gegenständliche, figurative Malerei und Illustration nach dem Aufkommen der Postmoderne Mitte des 20. Jahrhunderts an Bedeutung. Dieser Wandel erfolgte nach den Auswirkungen zweier Weltkriege und dem sich beschleunigenden technologischen Fortschritt. Es herrschte ein kollektives Bedürfnis, Darstellungen einer Vergangenheit hinter sich zu lassen, die sich bedrückend und irrelevant anfühlten, und alte Medienformen wurden durch neue ersetzt. Abstrakte Formen wurden für die breite Öffentlichkeit ansprechender, realistisch wiedergegebene Formen, ob allegorisch oder wörtlich, wurden als irrelevanter Kitsch abgetan. Sicherlich trugen einige wenige Maler und Künstler die Fackel weiter, aber selbst in den späten 1980er- und 1990er-Jahren, als ich aufwuchs, gab es in den Medien kaum Betonung auf klassische, romantische oder symbolisch-figurative Malerei, es sei denn, sie war von historischer Relevanz oder anspruchslosem Kitsch.
Eine bemerkenswerte Ausnahme in der postmodernen Kulturlandschaft war die Magische
Realistische Bewegung, die Mitte des 20. Jahrhunderts an Zugkraft gewann, als Speerspitze
vom Wiener Künstler Ernst Fuchs, der auch die Mischtechnik wiederbelebte, wie wir
diskutiert haben. Der Schwerpunkt lag nicht nur auf traditionellen Maltechniken, sondern auch auf zeitlosen Kompositionen und Formen, interpretiert durch das Irrationale. Diese Bewegung ging in die psychedelische Bewegung über und bot auch der Science-Fiction- und Fantasy-Kunst einen fruchtbaren Boden für ihre Blüte.
Der Aufstieg des Internets und seine allgegenwärtige Schnittstelle zur Gesellschaft
Anfang des 21. Jahrhunderts scheint die bildende Kunst für eine
kurzen Zeit. Plötzlich war es für jeden möglich, auf eine beispiellose
Katalog obskuren Materials, und dies wiederum löste eine Art kreativen Ausbruch aus,
revitalisiert lange ruhende Genres und inspiriert Künstler, ein breiteres Spektrum nachzuahmen
Spektrum stilistischer Traditionen. Wenn sie mit Hingabe und Technik verschmolzen werden,
Die Renaissance schien für eine begrenzte Zeitspanne zu blühen. Figurative und symbolische
Themen wurden nicht mehr als kulturell irrelevant verspottet, im Gegenteil, eine größere
Wertschätzung für sorgfältig gerenderte, figurative Bilder schien für eine
Jahrzehnt oder länger. Mein aktueller Eindruck ist, dass dieser kurze Anflug von Inspiration
bereits schwindend, größtenteils zugunsten zunehmender Künstlichkeit und beschleunigter
Sensationsgier. Technik und Geschick scheinen nur insoweit relevant, als sie
durch Leistung monetarisiert werden. Als das Internet noch umständlich und träge war,
es war paradoxerweise förderlicher für eine intensive Auseinandersetzung mit der Malerei und
Illustrationen. Auch die kulturellen Werte haben sich verschoben, wir scheinen kollektiv
verneigte sich vor einem monströsen und kolossalen Abbild des Mammon.
Es bleibt also die Frage, ob eine Art Meta-Einfluss im Spiel ist, wenn Kunst
Bewegungen entwickeln sich, eine himmlische Konfiguration vielleicht, eine Verschiebung von Paradigmen oder eine
Revolution im kollektiven Bewusstsein. Ich bin schlecht gerüstet, um über diese
Ideen, obwohl sie sicherlich interessant zu betrachten sind. Alle Dinge sind
veränderlich und zyklisch, ich vermute, dass diese verschiedenen kulturellen Extreme Syntax liefern
füreinander. Die Malerei scheint immer durch Phasen der Erhabenheit und
verspottet. Ruhm denen, die in turbulenten Zeiten Kurs halten!
Ist die Kunstgeschichte die Geschichte des Bewusstseins? Wenn ja, was sagt das über
Die Postmoderne? Ein Zeitalter, in dem alle möglichen Kunstformen gleichzeitig entstehen. Eine fast ahistorische Epoche.
Das ist eine fantastische Frage, die zu weitreichenden Spekulationen einlädt. Ich bin nicht in der Lage,
Ich beantworte diese Frage aus wissenschaftlicher Sicht, da sich mein kunsthistorisches Wissen zweifellos auf jene begrenzten Epochen beschränkt, die mich besonders fasziniert haben. Eine umfassende Analyse müsste nicht nur Architektur, Skulptur und Bilder, sondern auch flüchtige Erscheinungsformen wie Kleidung, Musik, Lyrik usw. umfassen – Themen, die wir möglicherweise nicht eingehend untersuchen können, da nur wenige Spuren ihrer Existenz erhalten sind. Es wäre faszinierend zu erforschen, wie sich das menschliche Bewusstsein in einem breiten Spektrum von Medien ausdrückte. Dies ist letztlich Aufgabe von Kulturanthropologen und Archäologen, aber es ist faszinierend, darüber nachzudenken.
Es stellt sich auch die Frage, ob Bewusstsein auf die menschliche Erfahrung beschränkt ist. Auch diese Frage kann ich nicht ausführlich beantworten. Es ist jedoch möglich, dass unser subjektiver Empirismus nur eine Manifestation eines objektiven „Bewusstseins“ ist. Dieses Konzept stellt unsere kollektiven Bemühungen in den Kontext von etwas viel Größerem als uns selbst. Man könnte argumentieren, dass Kunst und Kultur die Entwicklung des menschlichen Selbstbewusstseins widerspiegeln.
Im Hinblick auf die Ära, in der wir uns heute befinden, die jetzt vielleicht
definiert als post-postmodern, scheint das Dilemma ziemlich auffällig: Mit
bequemer Zugang zu einer Fülle von Medien, nicht nur unserer Zeit, sondern aller Epochen
Was hat Bedeutung und Relevanz in den bisherigen Entwicklungen? Ist es jedem Einzelnen überlassen, Wert zu definieren, und wenn ja, welcher Rahmen ermöglicht es dem Einzelnen, die unaufhörliche Medien- und Datenflut zu verstehen? Für einen Einzelnen könnte das realistisch betrachtet zu viel sein. Vielleicht verkriechen wir uns kollektiv zurück in Platons sprichwörtliche Höhle, gebannt von Schatten, um unsere Wahrnehmung einzuschränken, die sich dem Einfluss solcher Extreme nicht ohne weiteres anpassen kann.
Ich kann diese Fragen für niemanden objektiv beantworten, obwohl ich zugeben muss, dass
Als jemand, der mühsam erstellte, statische Bilder erstellt, bin ich der Meinung, dass weniger mehr ist.
Du lebst tief im Sasquatch-Land. Glaubst du an Bigfoot? Hattest du jemals
irgendwelche Begegnungen oder jemanden kennen, der eine Begegnung hatte? Irgendein mythisches
Kreaturen?
Ich habe das Glück, an einem Ort mit üppiger Naturpracht und einer vielfältigen Fauna zu leben. Ich betrachte all diese Geschöpfe als mythisch, in dem Sinne, dass man bei ihrer Beobachtung zeitloses Staunen empfindet, eine ewige Erzählung durch ihre Gegenwart erklingt. Sie kommunizieren direkt mit Menschen mit offener Wahrnehmung. Der quakende Frosch in den schattigen Teichen singt eine Ballade, die langsam dahinfliegende Schnecke hinterlässt schimmernde Zeichen auf den trockenen Blättern, die herabstoßenden Fledermäuse weben im Abendlicht unmerkliche Muster in das kobaltblaue Firmament. Es gibt keine unbedeutenden Geschöpfe, selbst das oft gesehene Grauhörnchen und die zahlreichen braunen Motten, die sich massenhaft auf der Fensterscheibe versammeln, haben einen besonderen Platz in den Legenden der Natur. Noch eindringlicher sind die Begegnungen mit den scheueren Tieren: dem schwer fassbaren Berglöwen, dessen nächtlicher Schrei einem das Blut in den Adern gefrieren lassen kann, der einschüchternden Masse des Schwarzbären, der einem die Speisekammer plündern kann, wenn die Türen nicht verschlossen sind, und dem ausladenden Tanz des Kojoten, der auf dem Waldweg stehen bleiben kann, um einem in die Augen zu sehen.
Mit solch wundersamen Wesen in den tiefen Wäldern, den Flussschluchten und
Auf den Hochwiesen würde es mich nicht überraschen, wenn im Erdbeerbaumdickicht noch mehr schwer fassbare Fabelwesen lauerten, die lautlos auf dem weichen Mulch der fruchtbaren Erde wandelten. Die genaue Identität solcher Kreaturen überlasse ich den Nomenklatoren.