Care sunt artiștii tăi preferați din canonul occidental? Există artiști mai puțin cunoscuți despre care considerați că merită recunoașterea fie pentru abilitățile lor tehnice, fie pentru conținutul simbolic?
Am cea mai mare afinitate cu pictorii și gravorii din Renașterea timpurie care
a înflorit în centrul și nordul Europei, preponderent în cursul secolului al XV-lea.
Principalii dintre aceștia ar fi Dürer, Holbein, Van der Weyden, Van Eyck,
Raphael, Memling și Matsys, precum și gravorii Behem, Altdorfer, Pencz
și semenii lor. De asemenea, am o mare afinitate cu perioada romantică a picturii în
la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea, Casper David Freidrich, Henry Fuseli și
William Blake în special și pictorii simboliști care au urmat un secol mai târziu,
în special Arnold Böcklin, Karl Deifenbach, Franz von Stuck, Jean Deleville, Gustave Moreau, Odilon Redon și așa mai departe. În acest cadru aproximativ există nenumărate lucrări realizate de nenumărate artiști, toate meritând la fel de studiu și atenție, ca să nu mai vorbim de multele care se încadrează în afara acelor perimetre. Admir o gamă foarte largă de materiale: de la preistoric la cel clasic, medieval, mișcarea Jugendstil, așa-numita Epocă de Aur a ilustrației de carte, expresioniștii, postmodernii și chiar contracultura contemporană de la sfârșitul secolului XX și începutul secolului XXI.
Atunci este dificil să amâni la o anumită epocă, dar în scopul ancorarii unui
estetic, a fost întotdeauna Renașterea timpurie cea care mi-a captivat cel mai mult
interes și mi-au inspirat eforturile. Acest lucru se datorează în parte pentru că a fost atât de critic
epoca de legătură, o perioadă în care formele antice au fost revitalizate și reinterpretate cu un
entuziasm și o claritate a viziunii care are și astăzi impuls. S-ar putea să vedem
această perioadă ca punct final de tranziție de la antichitate la epoca actuală, cel puțin din punct de vedere estetic. O încercare profundă a fost făcută în lucrările acesteia
epoca de a găsi echilibrul între tendințele dualiste din experiența umană; O
sinteza dintre efemerul cu eternul, corporalul cu celestul,
grotescul și frumosul.
Există nenumărați pictori și ilustratori din toate aceste perioade care pot
primesc o recunoaștere limitată în afara sferei lor imediate de influență. Cele mai multe
totul este disponibil online în acest moment, dar asta în sine nu echivalează neapărat cu o recunoaștere suficientă, mai ales când vine vorba de imagini statice, care în prezent se află la un nivel scăzut pe totemul semnificației culturale. Există totuși căi noi de apreciere care mențin această estetică vie, fie prin publicații, expoziții, subcultură muzicală, ilustrație contemporană, cinema, jocuri video, social media sau chiar cultura tatuaje. Există multe metode acum prin care cineva s-ar putea implica cu un artist obscur sau cu o estetică obscure, în afara imersiunii într-un muzeu sau într-un cadru academic. S-ar putea argumenta că există de fapt suprasaturare și suprastimulare la scară de masă în cultura noastră, printr-un exces de media, dar marile opere, oricât de ezoterice, sunt tot ce trebuie apreciate dacă cineva este înclinat să privească, să asculte sau să citească.
În opinia dumneavoastră, care sunt cei mai interesanți artiști în viață?
Cel mai mult sunt interesat de eforturile stimaților mei colegi, cei care au
și-au dedicat viețile urmăririi Muzei, perfecționându-și meșteșugurile, dedicându-le
eforturi pentru proces și colaborarea cu alții. Acest lucru este adevărat indiferent dacă suntem
discutând despre ilustratori, pictori, autori și muzicieni, precum și despre alți creatori
și interpreți, inclusiv tipografii și editorii. Sunt îndrăgostită de dăruirea pentru meșteșuguri și proces, nesupus capriciilor zilei. Cu atât mai demn de admirație atunci când circumstanțele culturale fac dificilă urmărirea durabilă a unui astfel de drum. În ceea ce privește în special artele vizuale, pot numi cu mândrie câțiva prieteni și colegi care au îmbrățișat această traiectorie, precum David D'Andrea, ale cărui imagini bogat detaliate, redate manual, continuă tradiția onorata de timp a ilustratorului calf, tipărind manual. Sunt întotdeauna captivat de lucrările lui Denis Forkas, care reușește să exprime concepte și stări mitice profund complexe cu o economie remarcabilă de culoare și formă. Compozițiile lui Forkas pătrund în vălul de altă lume cu o forță elocventă care este extrem de unică. Evocările vizuale adesea expresioniste ale lui Timo Ketola au fost întotdeauna de mare impact, înainte de dispariția lui prematură cu câțiva ani în urmă. Ilustratorii Glyn Smyth și Yoann Lossel merită menționați, la fel ca și picturile cu tematică Aves ale Vanessei Foley și portretele superb redate ale lui Miriam Escofet. Există într-adevăr zeci de pictori și ilustratori excepționali astăzi, care lucrează într-o varietate de medii, aceștia sunt doar câțiva cu care m-am conectat personal și care continuă să îmi ofere motivație în propriile mele eforturi.
Există, de asemenea, câțiva giganți culturali ai timpului nostru, cum ar fi pictorul norvegian Odd
Nerdrum, care merită recunoaștere pentru că a îmbrățișat fără scuze arcane
valorile estetice, întruchipând-le printr-o tehnică riguroasă și urmărindu-le
ca o vocație de-a lungul vieții. Nerdrum a apărut în mod specific într-un moment de la sfârșitul secolului al XX-lea, când pictura figurativă, reprezentativă a fost în mare măsură luată în râs ca Kitsch irelevant (un titlu Nerdrum îmbrățișat cu entuziasm) de către instituțiile de artă academică și, prin urmare, merită credit pentru recalibrarea conceptului de „pictor” ca cineva care are un rol unic de jucat și o viziune care să contribuie la societatea modernă. Opera sa magistrală este fenomenală când este privită personal. El și-a fundamentat idealurile creative prin întemeierea următoarei generații de pictori kitsch, care și-au codificat în continuare poziția filozofică prin propriile eforturi și prin diverse interviuri și eseuri. El este într-adevăr epicentrul unei mișcări specifice, dar ceea ce reprezintă mai larg este o exaltare a tehnicilor de pictură moștenite și a compozițiilor atemporale.
Care este valoarea unei imagini statice față de ceva de genul unui film?
O imagine statică are potențialul de a cataliza o experiență de lungă durată pentru
privitor. Acest lucru se realizează prin formarea unei relații în timp, în care
imaginea poate fi văzută în diferite circumstanțe, în diferite stări emoționale și mentale și chiar în diferite medii contextuale. În epoca noastră a nenumăratelor surse media, de exemplu, cineva s-ar putea familiariza cu un anumit tablou văzut mai întâi într-o carte, apoi pe internet și în cele din urmă în persoană la un muzeu. Cu fiecare vizionare, noi perspective sunt incubate și descoperite. În acest fel, o imagine devine un catalizator pentru o călătorie în evoluție, devenind punctul de plecare, destinația de sosire și tot ce se află între ele. Modul în care percepem imaginea se va schimba în funcție de faza de călătorie în care ne aflăm. O imagine statică ar putea, de asemenea, să ofere companie și o perspectivă reflexivă în aceeași călătorie, un balast pentru a-și ancora experiența. Potențialul este într-adevăr inepuizabil, ceea ce este remarcabil deoarece imaginea statică în sine este fundamental imobilă.
Filmul este un Media unic și se supune propriilor criterii de analiză, care este
dincolo de ceea ce aș putea contribui în mod credibil, așa că nu sunt sigur că pot compara cu adevărat filmul
cu pictura. Vorbind mai larg, imagini în mișcare, adesea în legătură cu
acompaniamentul sonor, a devenit totuși standardul cultural pentru mass-media
consum, în special odată cu apariția smartphone-ului și a fluxurilor de defilare de imagini, sunete și narațiuni textuale. Este de înțeles atunci că așa este
majoritatea oamenilor se implică în creații vizuale, care includ imagini statice, cum ar fi
tablouri și fotografii. Există avantaje la această interfață, și anume că
un număr tot mai mare de oameni sunt expuși la o gamă largă de imagini. La
cel mai bine, oamenii s-ar putea implica cu o imagine necunoscută anterior și ar fi motivați să o exploreze până la o anumită profunzime. Există și câteva limitări notabile pentru formatul digital în mișcare, în primul rând că imersiunea susținută într-o singură imagine este descurajată, dacă nu complet scurtcircuitată, de tehnologie. Este nevoie de multe ori de o mare disciplină sau de interferențe din exterior pentru a rupe acest tipar de atenție deficitară. Există puține stimulente pentru a rămâne fixat pe o anumită imagine pentru o perioadă de timp, trebuie să ia cu adevărat acea decizie de a se concentra și este testată la fiecare pas.
Ca contrapunct, s-ar putea în cele din urmă trăi cu o imagine, revenind la ea pentru
asigurare reflexivă, motivație sau mângâiere. Aceasta este ideea fundamentală din spate
iconografie religioasă; imaginile devoționale oferă un punct de referință pentru
meditația, o poartă pentru comuniune. Această practică nu trebuie să se limiteze la a
biserică, templu sau muzeu, cineva se poate conecta cu imaginea eternă oriunde
accesul la mass-media permite, care în această epocă este practic oriunde. Natural
Există nesfârșite nuanțe la lucru aici, un imprimeu atârnat pe perete poate deveni
prea familiar de-a lungul timpului până în punctul în care nici măcar nu se mai vede, dar și asta este
parte din relația continuă cu imaginea. Familiaritatea poate genera plictiseală
de câte ori se mângâie. Un tablou grozav, după părerea mea, este unul care rămâne
antrenant și etern indiferent de cât de des este privit.
De exemplu, am aceeași imagine de fundal pe computer de peste un deceniu. Este o pictură din secolul al XIX-lea cu o priveliște alpină, așa cum se vede de la intrare
a unei peșteri cenușii, de piatră, după-amiaza târziu, care se apropie de amurg. Nori moale cumulați par să treacă temporar în fața soarelui, estompând lumina ambientală și creând o penumbră radiantă care conturează coniferele îndepărtate, stâncile și vârfurile munților într-o strălucire delicată, trandafirie. O potecă întortocheată poate fi văzută urcând un pas de munte îndepărtat. Apropiindu-se de pestera parcurg siluetele unui grup mic de calatori. M-am uitat la acest tablou în fiecare zi de ani de zile și totuși nu devine niciodată vechi. Pictorul a construit o reprezentare atât de pricepută a culorii și formei, mintea nu se plictisește niciodată de spectacol. Există transmiterea unei mișcări efemere în diminuarea luminii, trecătoarea norilor, ascensiunea călătorilor și astfel se simte ca și cum ar exista o acțiune dinamică în perpetuitate, deși imaginea în sine nu se schimbă. Dacă mă opresc în activitățile mele zilnice pentru a rumege asupra compoziției, este posibil să simt simultan că mă întorc acasă la ceva familiar și totuși pornesc pentru prima dată într-o călătorie. Există simultan uşurarea sosirii şi anticiparea plecării; o buclă möbius cu două fețe în care trecutul și viitorul se reflectă unul pe celălalt. Asta înseamnă să trăiești cu o imagine.
Imaginea statică poate oferi privitorului o gamă mai diversă de experiențe mentale și emoționale, tocmai pentru că devine o reflectare mutabilă a procesului individual. Imaginea ocupă în cele din urmă mintea, poate chiar sufletul, prezența ei gestând și evoluând de-a lungul călătoriei vieții. Ca niciun alt mediu, cu excepția poate sculptura în piatră, imaginea statică poate transmite experiența iluzorie a Eternității.
Ai fost la scoala de arte? Ai avut vreo pregătire străină?
Nu am urmat nicio școală formală. Nu m-as descrie ca fiind "autodidact"
cu toate acestea, pe măsură ce am studiat fundamentele desenului și picturii cu doi
artiști independenți din tinerețea mea, ambii au accentuat tehnicile clasice și
metode tradiționale ca mijloc de construire a unei fundații creative. Am studiat si eu
Fuchs a inspirat Mischtechnik, cu Philip Rubenov Jacobson în Austria. Cele mai multe
Cu toate acestea, important, m-am străduit să învăț din studiul lucrărilor
mulți pictori mari care au venit înainte și din activitatea de-a lungul vieții a
învățând de la colegi, colegi și prieteni care s-au devotat în mod similar
ei înșiși la art. Învățarea nu trebuie să înceteze niciodată, procesul descoperirii
iar rafinamentul nu are sfârșit.
Cum ai descrie procesul tău creativ? Shane și cu mine amândoi relaționăm în asta
coperți și idei de cărți doar ne vin într-un moment revelator. am citit
că Francis Bacon n-ar avea habar ce picta când a început şi
numai că ar descoperi forma finală pe măsură ce procesul de pictură mergea de-a lungul.
Procesul pentru fiecare lucrare este unic, nimic nu este produs în formă. The
Metoda include în mod inevitabil inspirație, repetiție și corvoadă în părți egale. Sale
obișnuit ca progresul să se blocheze, să fie pus deoparte, rafinat, reconfigurat și chiar
aruncat în întregime uneori. Nu este niciodată o linie dreaptă de la început până la sfârșit. Uneori, problemele de compoziție se rezolvă de la sine fără efort, alteori întreaga structură se prăbușește și trebuie reconstruită cu minuțiozitate. Integrarea componentelor disparate este esențială, aducând totul împreună într-un fel de armonie structurată. Adaptez metodele și tehnicile pentru a se potrivi nevoilor unui anumit proiect. Există întotdeauna surprize în ceea ce privește ceea ce se dovedește convingător din punct de vedere vizual și ceea ce ar putea fi în cele din urmă relevant, dar scopul sintezei rămâne primordial.
Cu toate aceste variabile luate în considerare, rămâne totuși a
fluxul de bază către crearea și producerea unei imagini. De obicei, creez un foarte
schiță compozițională detaliată înainte de a începe o pictură sau redarea finală. Acest lucru este întotdeauna necesar atunci când faceți o lucrare comandată, astfel încât clientul să poată verifica fundamentul imaginii înainte de a începe lucrarea cu seriozitate. În producerea acestor redări conceptuale, se efectuează adesea cercetări ample și trebuie colectat material sursă. În unele cazuri, modelele trebuie să fie pozate, recuzita puse în scenă și artefacte obținute.
Influențele estetice trebuie luate în considerare, de asemenea, în special atunci când se creează un
ilustrație pentru un context specific, cum ar fi un poster sau o copertă de album. S-ar putea să-mi petrec zile întregi doar studiind diferite tipuri de ornamente dintr-o anumită epocă, de exemplu. Arhitectura m-a fascinat întotdeauna și mă inspir mult din sculptura clasică. O trambulină vizuală poate fi găsită în nenumărate forme: poate motivele și paletele de culori ale ceramicii antice etrusce, sau lucrarea în linie din gravurile din epoca barocului. Uneori este o stare de spirit evazivă care trebuie surprinsă și poate să nu existe nici măcar o referință vizuală clară care să servească drept emisar. În astfel de cazuri, pot rumina asupra culorilor sau a relațiilor spațiale adecvate pentru a le reprezenta, iar subiectele reale, atunci când apar, sunt doar secundare interacțiunii dintre lumină și umbră, nuanță și ton.
Procesul necesită adesea cercetare și muncă intensivă, dar la fel este și pasiv
reflecția necesară. Uneori, cea mai productivă fază este timpul petrecut departe
de la planșa de desen. Pune deoparte instrumentele de desen, închide cărțile de referință,
trageți o draperie peste exemplarele grupate și ieșiți afară. Este adesea util să mergi pe jos
și observați, fără a vă concentra pe ceva anume. Uneori sunt semnale și
mesaje din împrejurări întâmplătoare sau de la Natura însăși.
În general, cele mai provocatoare etape ale creației sunt începutul și
completarea. Multe din ceea ce există între aceste două realizări critice este
travaliu și se poate recurge la tehnică pentru a trece peste ea. Începutul este adesea
cea mai interesantă fază, deși poate necesita o energie extraordinară și concentrare
aduce acest imbold la pământ, dându-i o formă. A chema o lucrare terminată este adesea
cea mai dificilă fază, există invariabil un aspect care ar putea fi încă mai departe
rafinat. Întreaga compoziție trebuie să mențină o armonie holistică și excesivă
redarea în anumite zone poate denatura un echilibru delicat între nuanță și
detaliu, așa că trebuie să reținem impulsul obsesiv de a suprasolicita ceva
exces. Consider că este necesar să îmbrățișăm anumite defecte și deficiențe ca parte
a întregului. Uneori nu este clar că există un defect structural într-o compoziție până la sfârșitul procesului. În acest caz, eroarea trebuie pur și simplu îmbrățișată ca parte a caracterului operei. La un moment dat imaginea trebuie să fie acceptată și eliberată.
Simți că lucrezi într-o anumită tradiție artistică?
În general operez în contextul unei moșteniri estetice care este informată de contextul istoric, dar și de vremurile în care trăiesc. Avem tendința culturală de a împărți istoria artei în epoci, perioade și mișcări, ceea ce este util pentru identificarea succesiunii evenimentelor și înțelegerea modului în care evoluează influențele, dar în cele din urmă trecerea este un proces organic fără granițe dure. Fac această distincție pentru că nu sunt un pictor academic care emulează o anumită perioadă sau care folosește o tehnică formulă. Mă gândesc la munca mea ca pe un continuum care se bazează pe forme și teme reiterate care apar de-a lungul multor milenii. Le-am putea numi structuri arhetipale.
Am citit că ai fost influențat de nazarineanul german din secolul al XIX-lea
circulaţie. Ce ne poți spune despre ele?
Nazarinenii erau un grup puțin cunoscut de pictori de limbă germană care
a lucrat în primul rând la Viena și Roma în primii ani ai secolului al XIX-lea.
Ei au ocupat împreună o veche mănăstire pentru un timp și și-au dedicat zilele picturii și sculpturii. Ei s-au autointitulat „Frăția Sfântului Luca”, în cinstea sfântului patron al Picturii, și au căutat să întruchipeze un mod de viață creativ. Ei au fost referiți într-un mod oarecum în derizoriu drept „Nazarineni” de către detractorii lor din cercurile academice, din cauza accentului pe care îl puneau pe subiecte spirituale și a manierelor lor oarecum vizibile de a purta haine, de a-și lăsa părul lung și așa mai departe. Ei au respins neoclasicismul instituțional din zilele lor și s-au străduit să-și extindă cunoștințele despre tehnicile de artă prin observații directe, un studiu al picturii devoționale și o fraternitate de sprijin reciproc.
Poate cel mai semnificativ lucru de subliniat despre mișcarea Nazarineană,
a fost respectul lor față de trecut pentru a forja prezentul și a anticipa
viitor. Ei au făcut acest lucru prin venerarea și emularea artei medievale târzii și a renașterii timpurii, care, la rândul său, a fost catalizată de renașterea formelor mai vechi. Așa că în acest sens au rămas vigilenți la o flacără care nu a fost stinsă niciodată. Ei s-au modelat după artiștii calfe ai secolului al XV-lea, dedicându-și munca idealurilor spirituale și investind în redări minuțioase care surprind nuanțele de culoare și formă. Au luat comisii pentru lucrări publice și au revitalizat arta Frescii. În același timp, tehnicile și estetica actuală pe care le-au cultivat erau cu siguranță ale timpului lor, venind pe urmele erei iluminismului, continuând cu reacția romantică la modernitate. În acest sens, ei au oferit un germen profund de inspirație pentru o serie de mișcări artistice care au venit după ele, în special prerafaeliții din Marea Britanie, câteva decenii mai târziu.
Prezentarea oarecum teatrală a anilor lor colectivi petrecuți împreună la Roma
era finită, iar mai târziu cei mai mulți dintre ei s-au întors în Austria și Germania, unde au
au continuat individual să-și rafineze tehnicile de pictură. Unele dintre cele mai multe
picturile de impact au fost astfel create după ce s-au desființat ca un colectiv, lucrând
solo în propriile lor studiouri. Există o listă de nume notabile din care au apărut
această mișcare, dar cele mai dragi îmi sunt portretele lui Friedrich Wilhelm Schadow,
Johann Friedrich Overbeck și Franz Pforr. Inspirația de la Memling,
Raphael, Holbein și Dürer este clar în multe dintre aceste tablouri, o estetică
continuum de-a lungul veacurilor.
Am observat că multe dintre piesele tale au elemente care ar necesita cercetări științifice sau anatomice pentru a fi executate corect. Ce fel de cercetare faci?
Chiar depinde de proiect. Fiecare imagine este diferită în ceea ce privește sursa
subiectul și ceea ce este transmis intenționat. În cazul a ceva foarte specific,
cum ar fi o redare botanică monocromă, este necesar să se studieze cu adevărat
formele naturale ale plantei și să se familiarizeze cu structura fizică a acesteia înainte de a o interpreta cu linii. Unele proiecte pot necesita familiarizarea nu numai cu manifestarea fizică a subiectului, ci și cu alte reprezentări estetice ale acelui subiect de-a lungul istoriei artei. Echilibrul dintre aceste două paradigme, lumea naturală și lumea subiectivă a interpretării, influențează o mare parte din munca mea și este acut în anumite proiecte.
Deoarece multe dintre proiectele mele sunt preluate la comandă, există adesea un principiu sau o temă călăuzitoare care informează focalizarea lucrării. În aceste cazuri, este adesea necesar să se întreprindă cercetări în contextul istoric și structural al subiectului. Scopul acestei cercetări variază în mare măsură în funcție de natura temei. Cu Green Mysteries Herbal, de exemplu, și cu numeroasele redări botanice conținute în acesta, a fost necesar nu doar să studiem structurile și formele specifice ale plantelor individuale, ci și proprietățile lor medicinale, utilizarea de-a lungul istoriei, narațiunile mitologice în care apar plantele, precum și orice relevanță simbolică și culturală pe care le-ar putea avea. Cu referințele structurale stabilite atunci, a fost apoi necesar să se studieze numeroasele redări ale artiștilor și reprezentările vizuale ale plantei care au apărut înainte, așa cum au apărut în nenumăratele Botanicals and Herbals de-a lungul secolelor. Scopul final nu a fost doar de a oferi o descriere inedită a plantei, ci și de a elabora iterațiile anterioare care s-au manifestat de-a lungul secolelor. În acest fel, lucrarea nu este doar o explorare a unui subiect bogat și divers, ci se bazează și pe o moștenire de artă și cunoștințe care este deja stabilită.
Încorporezi vreun fel de matematică sau calcule în compoziția ta? Termenul „geometrie sacră” este un trop în zilele noastre, dar măsurați în mod conștient rapoarte de aur, proporții anatomice etc. sau este totul cu mână liberă și intuitiv?
Geometria este cu siguranță o fațetă importantă a muncii mele și o folosesc frecvent
forme distincte în compozițiile mele. Nu totul este aranjat cu mână liberă liberă, așa cum
fiecare compoziție este trasată și aranjată metodic, folosind adesea șabloane,
rigle și alte dispozitive de desen, dar procesul de plasare și rafinare este
aproape în întregime intuitiv, în special cu subiectele organice. Tind să lucrez cu
forme fundamental rudimentare: cercuri, triunghiuri, pătrate, mandorle etc
pe. Mai important, studiez relațiile dintre forme și forme și le ajustez după cum este relevant pentru o compoziție specifică. Acest lucru se face cu adevărat instinctiv, nu mă aduc la nicio formulă dogmatică. Sunt familiarizat cu Media de Aur și să presupunem că are un anumit sens contextual dacă cineva este mai confortabil cu o interpretare rațională a formei, dar nu sunt atât de exigent cu matematica. Tind să-mi las viziunea să fie ghidul. La fel, odată cu apariția echilibrului, scopul este sinteza, nu simetria exactă. Sunt mai preocupat de prezența sentimentului nuanțat decât de perfecțiunea arhitecturală, deși cu siguranță cele două se sprijină reciproc.
Aceste concepte sunt demonstrate mai clar cu pregătirea unei compoziții Still-Life. În care adun anumite obiecte și le aranjez pe o masă, fac ajustări spațiale, reconfigurez configurația, elimin elementele care în cele din urmă nu funcționează, experimentez iluminarea, vizionarea din diferite unghiuri și așa mai departe. Desenele sunt realizate și refăcute înainte de aranjarea finală pe panoul de pictură. Această parte a procesului poate dura uneori luni întregi.
Cum te-a împins MONAD sau te-a provocat ca artist?
Acesta a fost un proiect fantastic, unul care m-a obligat să exploat rezervele obișnuite ale
structura compozițională și nuanța atmosferică, dar a prezentat și provocarea
de transmitere a unor idei filozofice foarte complexe prin intermediul unor forme relativ de bază. M-am străduit să detaliez aceste concepte subliniind relația dintre filozof, lume și sursa cerească. Edificiul arhitectural în care este prezentat subiectul central stabilește structura civilizației, susținută de cariatide simțitoare, în timp ce torța întruchipează un fel de flacără prometeică coborâtă direct din strălucirea firmamentului nemărginit. Acesta a fost unul dintre acele picturi care au beneficiat de nenumărate glazuri subtile, pentru a atinge echilibrul potrivit de iluminare, jocul de lumini și umbre.
Geometria structurală a compoziției a fost cea care s-a dovedit în cele din urmă cel mai mult
critic, deoarece aceasta oferă sintaxă vizuală; ridicarea unui edificiu adecvat care să permită
revelațiile filozofice să fie ancorate într-o tradiție tangibilă, în timp ce încă
rămânând deschisă inspirației divine, păstrând granițele poroase, deschise către
cei care caută. Pentru aceasta am apelat la structura clasică a unei coloane flancate
plaza, o curte circulară în care poate fi vizualizat un epicentru imaginar. Din această poziție, Filosoful emană undele vibraționale ale Gnozei, impactând ușor lumea. Structura arcuită susținută de cariatide, paznici în pragul înțelepciunii, subliniază și mai mult încadrarea inițierii. Toate acestea sunt supravegheate de privirea nemuritoarei Hermes.
Scopul a fost în cele din urmă să-l înfățișeze pe Filosof ca pe un ghid și un vestitor, un far
luminând drumul din acest tărâm către multe altele. Creditul trebuie acordat
echipa de editare; Shane Logan, Tony Ferry și Lucas Heinrich, pentru furnizarea
impuls și direcția compoziției, m-am străduit doar să le dau o formă viziunii.
Pictura MONAD este extrem de vibrantă în persoană, ceea ce se datorează fără îndoială
mischtechnik. Cum este să pictezi cu această tehnică și de ce crezi asta
a dispărut aproape?
Mischtechnik-ul de incorporare a pigmenților de tempera de ou și ulei se bazează pe
metode rafinate de pictorul Magical Realist, Ernst Fuchs la mijlocul secolului XX
secolului și este, prin urmare, o elaborare, mai degrabă decât o conservare fermă, a
tehnici renascentiste variate, care nu sunt neaparat cunoscute si nici nu pot fi
exact replicat. Am adaptat în continuare tehnica Fuchs pentru a se potrivi propriei mele
proces și continuă să experimentezi cu mass-media. Multe dintre ilustrațiile mele color sunt executate în acuarelă, guașă și chiar pigmenți polimeri/sintetici, atunci când constrângerile de timp și buget o impun. Mischtechnik necesită de obicei mult timp, deoarece proprietățile fizice de stratificare a temperei și a mediilor uleioase necesită un timp de uscare suficient între glazuri. Probabil că îmi iau mai mult timp decât majoritatea pictorilor care folosesc această tehnică, pentru că îmi place să stabilesc nuanțe de culoare prin glazurare cu pigmenți puri, mai degrabă decât prin amestecare sau folosind culori preamestecate produse în mod obișnuit de producători. În practică, aceasta înseamnă că, cu cât o culoare este mai complexă, cu atât este mai nuanțat jocul de umbră și lumină, cu atât mai multe glazuri sunt utilizate. De asemenea, rafinam detaliile pe măsură ce merg. Când pictez penajul unei păsări, de exemplu, s-ar putea să nu rafinam luminile de pe ghimpele unei pene până în etapele ulterioare ale redării, iar acestea se vor rafina și mai mult pe măsură ce glazurele de culoare trec peste ele.
Indiferent de suportul folosit, picturile mele încep invariabil cu un transfer de a
desen simplu la panou, urmat de o imprimatura - de obicei ou
tempera - măcinat, de obicei roșu englezesc, sau umbrire brută, în funcție de ansamblu
paleta de culori. Pe acest teren solid, voi executa un monocrom liber
vopsea de bază în tempera albă. Odată uscat, trec cu o glazură completă
întregul panou, cel mai adesea o culoare caldă, cum ar fi ocru auriu sau siena. Următorul
etapa este o rafinare mai detaliată a subiecților, folosind încă doar pigment alb,
fie tempera de ou, polimer sau guașă, în funcție de mediu. După tot
compoziția a fost stabilită și rafinată, subtitlurile de lumină și umbră
stabilit, voi începe apoi să glazurez în culori primare. Etapele mijlocii ale creației conferă un efect posterizat, blocuri solide de culoare pură ancorând imaginea. De aici structurile delicate sunt mai mult rafinate și detaliile elaborate. O draperie verde dintr-o pictură finită poate avea până la 5 sau 6 straturi de pigment peste redarea monocromă până la finalizarea lucrării. Nuanțele subtile ale pielii pot conține de două ori această cantitate.
Construcția imaginii este aproape sculpturală, arhitecturală, așezată
fundație, stabilirea suportului structural, aplicarea formelor substanțiale,
construirea culorilor, rafinarea detaliilor. Avantajul principal al stratificării
tehnica este că se poate stabili un efect de neegalat de variație a luminii și a culorii.
Acest lucru este cel mai bine apreciat în persoană, acolo unde se află adâncimea straturilor de pictură
evident evident. O parte din aceasta este atribuită proprietăților fizice ale modului în care
glazurele de ulei translucide interactioneaza cu tempera opaca de ou, cu lumina ambientala
filtrăndu-se prin mediul de ulei și reflectându-se pe subvopseaua albă.
Nu cred că Mischtechnik-ul a dispărut. Mai sunt o mulțime de artiști
folosind-o cu un efect magnific, primordial printre ei prietenul și colegul meu,
Madeline Von Foerster, a cărei stăpânire empatică a nuanțelor tehnice ale metodei este inegalabilă. Picturile ei realizate cu măiestrie, colecționate la nivel internațional, din cabinetul naturii exaltă frumusețea biodiversității și dezvăluie tragedia diminuării acesteia din cauza cauzelor umane. Fiecare lucrare este un altar sfânt, care invită la venerare și la contemplare. Aplicarea meticuloasă a Mischtechnik-ului nu a fost niciodată aplicată atât de adecvat. Îl consider pe Von Foerster un adevărat maestru modern al acestei tehnici.
Rubinov-Jacobson continuă să predea metoda Fuchs în informativ
seminarii și ateliere, și există o serie de pictori în așa-numita
Scenă de artă vizionară care fac lucruri fantastice și cu această metodă. Este
fără îndoială, un proces consumator de timp și laborios de maximizat eficient, al cărui efect nu se traduce întotdeauna bine în tipărire sau în reproduceri digitale. În epoca noastră digitală perenă online de gratificare instantanee, există probabil mai puțin stimulent de a folosi această tehnică decât era chiar acum 10 ani. Cu toate acestea, pentru oricine apreciază virtuțile răbdării și ale meșteșugului, mischtechnik-ul continuă să fie utilizat și apreciat ca vehicul pentru iluminarea vizuală.
Cum arată practica ta spirituală sau magică?
Munca mea creativă este fundamentul practicii. Acolo se găsește întregul spectru al devotamentului; fiind receptiv la inspirație, evocarea viziunii, disciplinat
aplicarea tehnicii, perseverența prin adversitate, detașarea de
așteptare și, în sfârșit, eliberare. Odată ce cineva cedează complet acestui proces,
creaţia devine ceva mai mare decât suma propriilor eforturi. Aceasta este
mai ales atunci când se lucrează în cadrul unei tradiții creative distincte, cum este desenul și
pictura in cazul meu. Mă gândesc la munca mea ca pe o contribuție la o cultură mult mai largă
canon. Pe lângă contribuția neprețuită din partea colegilor, colegilor și
colaboratori, Este hrănit și informat de acei practicieni ale căror eforturi
au mai venit și sperăm că vor servi drept flacără călăuzitoare pentru cei care vin
după.
Creativitatea ca practică devoțională este un proces neliniar care este fundamental a
călătorie, un fel de pelerinaj. Pe parcurs, cineva se angajează cu ceilalți; prin
colaborare, patronaj, servicii și chiar prin dinamici provocatoare, cum ar fi
competiție, respingere și condamnare. Pot apărea impedimente circumstanțiale,
sprijinul poate fi acordat sau refuzat în egală măsură, iar asistența poate
de asemenea provin de la emisari neaștepți. Toate aceste fațete ale experienței sunt
relevante și de valoare pentru o practică angajată. Munca în sine poate fi
considerată ca o meditație, o observație concentrată cu acțiune aplicată și a
detașare de rezultat. Cel mai important aspect este să lucrezi în continuare. Păstrează
lucrează atunci când inspirația este abundentă și când este absentă. Continuați să lucrați când
răsplata este acordată și atunci când nu este primită. Continuați să lucrați în perioadele de ceartă personală și prin perioadele de lux. Există momente în care munca înseamnă muncă obositoare și momente în care poate însemna liniște și tăcere.
Această abordare este cea care trebuie să fie cea mai eficientă pentru stabilirea unui sistem durabil
practica. Este util și să ai un sanctuar pentru devotament, care în cazul meu este
Atelier, o cameră mică într-o mănăstire din secolul al XIX-lea, care a servit drept atelier principal de lucru de câteva decenii. Spațiul îmi permite să stabilesc referințe ca altare sacre și să rumeg pe imagini iconice pentru inspirație. Spațiul fizic permite privegherii să continue fără încetare.
Aceste perspective asupra practicii mele devoționale au fost cultivate de-a lungul timpului și sunt
astfel subiectiv pentru propria mea călătorie creativă. În niciun caz acest lucru nu trebuie interpretat
ca un model dogmatic pentru procesul individual al oricui. Cunosc creatori de imagini fără studio de decor, de exemplu, cărora le place să se instaleze oriunde s-ar afla, fie pe un câmp, un depozit sau o cafenea. În tinerețe și eu am călătorit mulți ani cu doar cărți de schițe în rucsac, desenând și documentând referințele de mână oriunde m-aș fi întâmplat. Toate fazele călătoriei sunt relevante. Nu cred într-o cale singulară, corectă.
Din propriile tale studii, cum crezi că apar aceste schimbări uriașe în pictură? Ea
pare material acauzal într-o oarecare măsură, deci este un fel de Logos sau Geist? De
Desigur, există contributori contextuali, culturali și circumstanțiali, dar asta merge doar atât de departe pentru a explica acest lucru.
Cu siguranță un subiect fascinant pe care să rumegi. Nu sunt sigur că am datele
pune o ipoteză convingătoare. Există în mod clar tendințe estetice care preiau asta
sunt rezultatul unor influențe circumstanțiale, dar, în același timp, se pare că există
fie curenți nevăzuți și iraționali care informează în continuare Zeitgeist. Cu pictura și artele vizuale în special, există o punte evidentă către valorile unei culturi la momentul creației. De exemplu, pictura și ilustrația reprezentativă, figurativă s-au diminuat după apariția post-modernismului la mijlocul secolului al XX-lea. Această schimbare a venit după efectele a două războaie mondiale și accelerarea progreselor tehnologice. Exista o urgență colectivă de a lăsa în urmă reprezentări ale unui trecut care se simțea opresiv și irelevant, iar vechile forme de media au fost înlocuite de noua. Formele abstracte au devenit mai captivante pentru publicul larg, formele redate în mod realist, fie alegorice sau literale, au fost resemnate ca kitsch irelevante. Cu siguranță, un număr mic de pictori și artiști au continuat să poarte torța, dar chiar și la sfârșitul anilor 1980 și ’90, când am venit eu, a existat foarte puțin accent mediatic pe pictura figurativă clasică, romantică sau simbolică, cu excepția cazului în care era de relevanță istorică sau kitsch-ul modest.
O excepție notabilă în peisajul cultural postmodern a fost Magical
Mișcare realistă care a câștigat acțiune la mijlocul secolului al XX-lea, ca vârf de lance
de artistul vienez Ernst Fuchs, care a revitalizat și Mischtechnik-ul, ca și noi
au discutat. S-a pus accent nu numai pe tehnicile tradiționale de pictură, ci și pe compozițiile și formele atemporale, așa cum sunt interpretate prin irațional. Această mișcare a continuat cu mișcarea psihedelică și a oferit un teren fertil pentru ca și arta științifico-fantastică și fantasy să înflorească.
Ascensiunea internetului și interfața sa omniprezentă cu societatea la
începutul secolului XXI pare să fi revitalizat clar Artele vizuale pentru a
timp scurt. Dintr-o dată a fost posibil ca toată lumea să aibă acces la un fără precedent
catalog de materiale obscure, iar acest lucru a stârnit, la rândul său, un fel de revărsare creativă,
revitalizarea genurilor latente de mult timp și inspirarea artiștilor să imite o mai largă
spectrul tradițiilor stilistice. Atunci când este îmbinat cu devotament și tehnică, un mini
renașterea părea să înflorească pentru un interval finit. Figurativ și simbolic
temele nu mai erau luate în derâdere ca fiind irelevante din punct de vedere cultural, chiar mai mari
aprecierea pentru imaginile figurative redate cu atenție părea să înflorească pentru a
deceniu sau mai mult. Impresia mea actuală este că această scurtă sclipire de inspirație este
deja în scădere, în mare parte în favoarea creșterii artificiului și accelerat
senzaţionalism. Tehnica și priceperea par a fi relevante doar în măsura în care pot
fi monetizat prin performanță. Când internetul era ciudat și lent,
era paradoxal mai propice unei interfeţe în profunzime cu pictura şi
ilustrații. Valorile culturale s-au schimbat, de asemenea, se pare că am făcut-o în mod colectiv
închinat în fața unei monstruoase și colosale efigie a lui Mammon.
Întrebarea rămâne atunci dacă este în joc un fel de meta-influență atunci când arta
mișcările evoluează, o configurație cerească poate, o schimbare de paradigme sau a
revoluție în conștiința colectivă. Sunt prost pregătit să speculez despre acestea
idei, deși cu siguranță sunt interesante de contemplat. Toate lucrurile fiind
mutabil și ciclic, bănuiesc că aceste extreme culturale variate oferă sintaxă
unul pentru altul. Pictura pare întotdeauna ciclu prin perioade de exaltare și
batjocorit. Slavă celor care țin cursul în vremuri tulburi!
Este istoria artei istoria conștiinței? Dacă da, despre ce spune asta
epoca postmodernă? O epocă în care poți găsi tot felul de artă care se întâmplă simultan. O perioadă aproape aistorică.
Aceasta este o întrebare fantastică, una care invită la speculații ample. Nu sunt în măsură să
răspuns din punctul de vedere al unui savant, deoarece cunoștințele mele despre istoria artei se limitează, fără îndoială, la acele perioade finite care mi-au captivat atenția. O analiză cuprinzătoare ar trebui să includă nu numai arhitectura, sculptura și imaginile, ci și manifestările efemere, cum ar fi îmbrăcămintea, muzica, poezia lirică și așa mai departe; subiecte pe care s-ar putea să nu le putem studia în profunzime deoarece din existența lor rămâne puțină urmă. Ar fi fascinant să explorezi modul în care conștiința umană s-a exprimat printr-un spectru larg de media. În cele din urmă, aceasta este o muncă pentru antropologi culturali și arheologi, dar este fascinant de contemplat.
Există, de asemenea, întrebarea dacă conștiința este limitată la experiența umană? O altă anchetă pe care nu sunt pregătit să o abordez suficient în profunzime, dar este posibil ca empirismul nostru subiectiv să fie doar o manifestare a unei „conștiințe” obiective. Conceptul încadrează eforturile noastre colective în context cu ceva mult mai mare decât noi înșine. S-ar putea argumenta ideea că arta și cultura reflectă evoluția conștientizării de sine umană.
În ceea ce privește epoca în care ne aflăm în prezent, care ar putea fi acum
definită ca post-postmodernă, dilema pare destul de evidentă: Cu
acces convenabil la un exces de mass-media, nu doar din timpul nostru, ci al tuturor epocilor
care au apărut înainte, ce are sens și relevanță? Este la latitudinea fiecărui individ să stabilească ce are valoare și, dacă da, ce cadru îi permite individului să înțeleagă barajul neîncetat de media și date? Ar putea fi prea mult ca o singură persoană să se adapteze în mod realist. Poate că ne târăm în mod colectiv înapoi în proverbiala Peștera lui Platon, străbătută de umbre, pentru a ne limita percepțiile, care sunt incapabile să se adapteze cu ușurință la influența unor astfel de extreme.
Nu pot răspunde obiectiv la aceste întrebări pentru nimeni, deși voi recunoaște asta
Fiind unul care face imagini statice lucrate laborios, constat că mai puțin înseamnă mai mult.
Locuiești adânc în țara Sasquatch. Crezi în Bigfoot? Ai avut vreodată
vreo întâlnire sau cunoscut pe cineva care a avut o întâlnire? Orice mitic
creaturi?
Sunt într-adevăr norocos să trăiesc într-o locație cu splendoare naturală abundentă, care conține o menajerie de faună diversă. Consider că toate aceste creaturi sunt mitice, în sensul că o minune atemporală este experimentată atunci când le observăm, o narațiune eternă vorbește prin prezența lor în timp ce își desfășoară treburile. Ei comunică direct cu cei cu percepții deschise. Broasca care croncăie din bazinele acoperite cu umbră are o baladă de cântat, melcul care se mișcă încet urmărește sigilii sclipitoare pe frunzele uscate, liliecii care se aruncă țes modele imperceptibile în firmamentul de nuanțe de cobalt în amurg. Nu există creaturi nesemnificative, chiar și veverița cenușie văzută des și moliile maro abundente care se adună în masă pe geamul ferestrei au un loc distinctiv în legendele Naturii. Și mai profunde sunt întâlnirile cu fiarele mai timide: leul de munte evaziv, al cărui strigăt nocturn poate îngheța sângele, masa intimidantă a ursului negru, care își poate năvăli în cămară dacă ușile sunt lăsate neasigurate și dansul loping al Coiotului, care se poate opri pentru a bloca privirea cu unul pe urmele pădurii.
Cu asemenea ființe minunate care se găsesc în pădurile adânci, canioanele râului și
pajiștile înalte, nu m-ar surprinde dacă și mai multe creaturi mitice evazive ar pândi în desișurile de madrone, mergând în tăcere pe mulciul moale al Pământului fecund. În ceea ce privește identitatea specifică a unor astfel de creaturi, o voi lăsa pe seama nomenclatorilor.